还有一幅《出塞》，画的是“秦时明月汉时关”这句诗，这幅画很大，场景很多，重峦叠嶂，有关塞，有明月，一个披甲武将正下马与故人告别。虽说这样的画面跟诗中景物相比，一样都不缺，但与这首七绝诗的意境相较而言就显得苍白无力多了，缺少了简单语言中内含的激情与意境。这样的“画中有诗”，一般并不可取，但也有人不以为俗，反而激赏不已。
“画中有诗”的“诗”字，与其说是“诗歌”，倒不如说是“诗意”，是一个相对抽象的概念。诗是一种表达情感的文学体裁，中国诗尤其重视“意境”的表达。这个所谓的意境，是一种凝练的情景交融。优秀的诗作都必然有意境，它们能引起读者想象，触发读者联想。古人认为“画是无声诗”，当绘画中既有景又有情，并将两者有机地融合在一起时，就能构成一种与诗歌类似的意境。情景的交融是使绘画“诗化”的方法，也是绘画的最高境界。
中国画具有超出画面的精神意志，画与诗的结合扩大了绘画的艺术感染力与表现力，使中国画的思想情感、寓意更加豁达、深远，艺术趣味、艺术境界更上一层楼。
传统文化让绘画更有诗意
千百年来，中国人习诗诵词，这样的“诗化”审美来源于现实生活，已经成为中国人的审美精神情结，深深地融入我们的思维习惯之中。这种“诗化”的审美观，不断为中国画创作发展给予“营养”。感知诗歌之美，成为中国画家观察生活、提炼生活、表现生活的认识起点。
在中国人的观念里，诗歌是美好的，诗意代表着美好的品格，象征着“真、善、美”，绘画作品中也强调对美好的品格、对“真、善、美”的执著追求。所以说，传统文化赋予了中国绘画诗意的画面。
为什么中国绘画更喜欢使用线条
线条是中国画的“王牌”，伏羲画八卦，就是以最简单的线条结构揭示宇宙万象的变化。线条作为绘画的基本要素之一，历来在中国画中占据着重要地位。中国画始终没有离开过用线造型的传统，工笔画用线条勾勒轮廓，写意画则用线表达意境，线条就是中国画的基础和灵魂。
有的西方人看不懂中国画的线条，认为这些线条是人为添加的，不符合客观实际，可中国画的千变万化都少不了线条。从某种程度上来说，中国画中的线条类似西方画的印象派、抽象派，追求以抽象的形态来刺激观众的视觉，激发想象和深度认识。在中国画中，线条是最简练、最概括的基本造型语言，也是画家表达意念、思想、感情的形式和手段。
线条的形式美
中国画线条有轻、重、缓、急、粗、细、曲、直、刚、柔等丰富的变化，这种笔法上的变化，正是中国画的线条之美。中国画的笔法变化来自书法，悠久的书法历史，造就了中国文人利用对线条粗细、浓淡、润燥的掌握来表现文字的传统。中国文人在长期对文字线条艺术化的同时，也将这种线条的表现方式融入中国画中，不同的笔法构成了中国画特有的形式美感，呈现出条理与节奏之美。
书法笔法融入中国画中，有利地拓展了线条的发展，表现出了种种形体姿态，并且各具性格特质。如画面上的直线代表力量、速度，曲线则代表柔和、律动，粗线条给人以刚健有力之感，细线条给人以柔弱纤细之感，水平线条平和安稳，垂直线条庄重严肃等。这就是中国画特有的线条的艺术语言。
线条的情感美
中国画通过线条的变化，来传达画的意境，也用来体现画家的性格。如明末清初画家髡残，他的线条多秃笔，浓墨沉着，显现老辣、厚重。这些有力厚重的线条，体现出髡残性格的豪爽、耿直，个性的倔犟和满身的傲气。八大山人朱耷则以阴柔的长线、多变的折线表现孤傲不拘的叛逆个性。
通过画中的线条，我们还能看到画家的精神世界。如李公麟追求简单淡泊的生活，以山水陶冶自己的情操，他的作品是稳重不张扬的线描，是不加粉饰、纯墨色单纯的白描。画中每一条线还与艺术家的心理变化紧密相连，心情平和时，线条清晰、平稳、均匀，有很好的控制力；但如果心情激动时，线条就会出现剧烈的变化，用墨也变得不均匀。可以说线条就是画家的情感记录器。
线条的力度美
力度是蕴涵在中国画线条中的内在之美，是中国画审美的重要组成部分。“力透纸背”、“高山坠石”、“绵里藏针”等词语，都是用来形容绘画线条的运笔力度效果。中国画运笔讲究笔锋要藏而不露、一波三折、气贯始终，如果在运笔时力度的掌握不纯熟，就无法到达这一美感要求。
画中的力度，要通过运笔来实现。画家作画时，会根据其用力的轻重来改变线条的粗细、浓淡。有力度的笔画，其线条中的墨色就浓重，浸润度高，笔与纸面间产生的力与反作用力，能使线条表现出立体感。画家运笔时，只有在笔与纸的作用力之间求得均衡，才能画出蕴涵着深层次的力度之美。反之，没有力度的画，会让墨色浮在纸面，缺乏立体的感染力；无法掌握好力度，则可能使线条浓而无神，变得过犹不及了。
中国绘画对线条还讲究刚中有柔，柔中有刚，刚柔并济，这和中国传统思想的阴阳论不谋而合。中国画线条中的阴阳刚柔，讲究的是对立统一，从内外、刚柔、缓急、上下、险夷等方面体现出绘画作品中的平衡和谐之美。线条中真正的阴柔不应该绵弱无力，应该是一种刚极乃柔，而真正的阳刚也不是蛮力横行，而是带着柔美的阳刚之态。
线条的气韵美
中国画讲求“行云流水”、“一气呵成”，这不是简单的绘画技巧，而是中国文化中的气韵精神。中国传统哲学认为，生命是“气”的会聚，气一旦散了，人的生命也就消失了。
这种哲学思想深刻地影响了中国画，它要求绘画者在下笔之前，凝神静气，意在笔先，以气运笔，将全身之气运注于手腕，传至笔尖，贯注于画面。这样才能使画面上强弱、虚实的线条产生连绵不断的内在联系，形成一气呵成的画面效果。
为什么中国绘画喜欢在画面上留一块空白
中国画讲究留白，有些画的画面，空白的地方占据的空间比画面所要画的主体都要多，甚至有些画的主体只是由几组线条组成，绝大部分都是空白。这种空白，是中国画的一种独特审美。
画面的局部缺少线条、颜色，就仿佛是大地之上有了空阔的天空。大地因为有了天空，才有了生命繁衍的空间；人类因为天空，才有了思想的高远；中国画因为有了空白，才有了想象的空间。所以中国画的空白，就是文章的“言外之意”，是音乐中的“弦外之音”，是东方绘画的重要特点。
虚实的结合
在西方油画中，我们看到了太多的实景、真人，总会感到画得“过满”，想要呈现的内容过多，让人感到应接不暇，都忙着去理解画家的意图。
人的眼睛无法同时看清位置不同的几件东西。俗话说“心不在焉，视而不见”，极好地概括了人类这种生理现象。中国画根据人的这种视觉习惯来艺术地处理画面，运用“留白”突出主体。当我们看到一幅空白很多的画，很容易陷入深思，体会内心的真实感受。画中留出的空白，能无形地诱发人们的想象力，创造美妙的艺术境界。
中国画强调虚实结合。“实”是绘画的素材，“虚”是空白，它们的结合能起到强烈的对比效果。中国画中的天、地、水等多以空白代替，恰当的空白可以使主体更容易被注意，从而更好地表达理念、强化主题。可以收到虚实相映、形神兼备的艺术效果。
中国绘画的这一审美观，来自中国人喜欢通过观察外部客观世界来探索主观的内心世界，以构建更高尚、更真实的内心家园。中国古代画家画山水，多是饱游名山大川之后，回到书斋，重新构建他们所感受到的山川河流。这些画也许跟现实景物有别，却是画家对那个客观存在最真实的个人体验。画家不是在复制眼中所看到的，而是在表述内心所感悟到的。这是心灵与世界的融合统一，体现了“天人合一”的观念。所以天、地、水都不需要具有实在的形体，而多以空白表现。
道家的置身物外
在中国传统文化中，美学属于“道”的范畴。庄子认为得道之人要忘物忘我，去掉一切欲念，融入自然之中，要摆脱功名利禄，追求天人合一的静态之美。人内心的“道”也该是一片空白，达到“空灵”的精神境界。道家崇尚的美感，清远、恬淡而含蓄。
道家认为，绘画“非画也，真道也”，这让中国画追求超于现实物象之外的美。这种“虚无”的宇宙观，赋予中国画情趣别致、风格超诣的艺术美感。所以中国画追求“空灵”，喜欢用空白表现此时无声胜有声的境界。留白便是表现这种虚无、空灵的最好方法。
白而不空
“留白”虽然是画纸的质地，但是在绘画作品中，可将其置于“有形”之境，与画面中的主题素材相互补充，成为绘画的组成部分。留白在衬托了画面主体的同时还扩大了画面的意境。比如宋代马远的《寒江独钓图》，江面几乎全以空白表现，只画一条船和船上垂钓的渔翁，一种空旷渺茫的气氛油然而生。我们并不会感觉画面太空，反而有一种广阔而富有诗意的意境。这种以少道多的东方审美观念，能营造含蓄的画面意境，加强画面的形式感。
从“留白”的色彩上来说，似乎空白就代表着没有颜色，其实不然，空白之处，更能体现色彩的过渡与延续。“白”在中国画中不仅是色彩，还有一种禅意精神，中国画以淡为宗，而“白”为淡的极致。
老子讲“知白收黑”，就是说有了白色，黑色才会展现出来。白与黑在中国画的表现上相对存在，白为虚，黑为实，黑白对立对比，处理得当，可使对立统一，达到更好的表现效果。因此，“白”并不是没有颜色，而是一种能让人在视觉、情感和想象上得到充分发挥的颜色。“留白”是一种色彩的扩充，是对视觉的再创造，这种画面上微妙的感觉是任何其他色彩无法达到的。
工笔画和写意画都能表现画家的情绪吗
中国画在技法上可分为工笔画和写意画，两者各有蹊径，各有特色。不过，有人却认为工笔画是工匠画的低俗作品，写意画才是文人的高雅艺术。这些人觉得艺术贵在反映人的主观情意，只有写意画才有主观情意，而工笔画只是客观再现。其实，工笔画同样能表现画家的情绪。
写意画抒发感情
中国的文人极为推崇写意画，这是用文人眼光看待自然、创造艺术，思维方式以人为主体，而不是以自然为主体。写意画随着自然景观的不同和画家的情感不同，而使用不同的笔墨、形态和色彩。
写意画纵笔挥洒，墨彩飞扬，用简练的笔法描绘，致力于体现所描绘物体的神韵。由于写意画几乎是一气呵成的，所以画家当时的情感能直接影响运笔的方式，影响线条的形式，直接体现画家的情绪、情感、情趣和思想，引发欣赏者的共鸣和感悟。
为了强调画家的个人情意，写意画画家刻意追求“不形似”，与客观一再拉大距离。写意画多以书法的笔法作画，比如清代著名画家郑板桥以书法的笔法画兰竹，风格明快劲峭。他不拘常规，肆意涂写，以一个“乱”字来表露自己的叛逆精神。同样是“乱”，这跟幼儿园牙牙学语的小朋友的乱涂乱画不是一回事。写意画是以简练的笔法，直接袒露出感情和个性，虽然缭乱，其布局却独具匠心。
工笔画神形兼备
与写意画不同，工笔画更多地关注“细节”，注重写实。画工笔画时，须以精致细腻的笔法描绘景物，先要画好稿本，再经反复修改，然后覆上有胶矾的宣纸或绢，接着用狼毫小笔勾勒，随后逐一敷色，层层渲染，从而取得美轮美奂的艺术效果。工笔画的“工”，就是一种认真创作的态度，在笔墨色彩的处理上，线描细如毫发，渲染细腻熨帖，在形象的描绘上，非常到位，没有逸出。
