在众多增加立体感的技法中，重叠可能是最早的增加立体感的方法。由于人眼不具备Ⅹ光的功能，因此如果我们看到一个苹果旁有一个沿苹果边缘切开的梨，根据经验，我们会认为梨是完整的，并且它位于苹果的后面。这种方法，是利用人的经验来推导出空间的深度。
透视
透视是我们今天学绘画都必须学的重要内容。它是指我们的视觉会将近的物体看得较大，而将远的物体看得较小。这样的技法在古亚述王宫中已经出现了，当时的画家在处理两个重叠的人物时，总是将前面的人画得大于后面的人。
让透视得到真正发展的，还是文艺复兴时期的建筑师布鲁内莱斯基。布鲁内莱斯基借助镜子发现，人眼看到的画面都存在一个焦点，物体距离人的远近，会根据物体与焦点的连接线，等比例地放大或缩小。这种方法则让感性的“近大远小”透视法有了理性的参照。到了16世纪，西方绘画都会利用焦点透视来增加绘画的立体感。
在现代摄影中，为了增加画面的立体感，摄影师也喜欢拍摄带来透视感的平行线条，它们可以在远方会聚成一点，或者形成较大的角度。如拍摄两根铁轨，俯拍或仰拍高楼，都能带来强烈的景深感。
光影
一个规则的物体是很容易利用焦点透视法来表现立体感的，但一个圆润的或者不规则的物体，却很难利用这一技法来表现立体。于是古希腊时期的雅典画家阿罗多斯就研究出了利用光影的方法，即用深色表现凹陷，浅色表现突出。这也成为画家表现空间感的最直接方法。
到了文艺复兴时期，画家马萨乔喜欢将一束强光以倾斜的角度照射到人体上，据此绘制出来的人物，具有非常强烈的立体感。这种手法在现代摄影中也被经常使用。达·芬奇为了追求更自然的效果，将这种强烈的明暗对比进行弱化，采用了逐渐加深的方法，这就让他笔下的《蒙娜丽莎》充满了柔和的美感。这也成为现今使用得最多的一种光影技法。
色彩
不同色彩的组合也能增加立体感。19世纪印象派在对色彩的研究中发现，当将几种同样大小的色彩放置在一起进行比较时，会产生有些色彩在前、有些色彩在后的现象。这种奇特的现象可能跟冷色收缩、暖色扩张有关，所以不少绘画者都会将画面的主体处理得鲜艳、明快，而远处则多使用浅淡的冷色。
事实上，由于空气中水蒸气的作用，远处的景物不仅颜色会偏淡，还会略微偏蓝。一座长满绿树的山，画家之所以会用蓝色去处理，其真实的原因就是空气制造的这种冷色效用。
空气透视
空气不仅能改变颜色，还能改变物体的清晰度。达·芬奇发现，空气中的雾、烟、灰尘等会使远处的物体变得淡而模糊，所以只要利用色彩饱和度就可以展现出立体感：近处的物体颜色鲜艳，而远处的物体颜色暗淡；在绘制图案时，也只用将近处的物体描绘清晰，而远处的物体只要有一个轮廓就可以了。
印象派画家塞尚就将他的画进行了团状处理，即近处的景物是由细小的团状颜色组成，而远处的景物则是由大块的团状颜色来代表。塞尚的这一理论迅速被印象派所接受，甚至开创了西方现代美学的全新时代。有趣的是，在现代摄影技术中，只要通过增加光量，就能将背景模糊成印象派的团状颜色。虽然这是缩短景深的做法，但突出主体、模糊背景的方法，让画面变得更加立体起来。
孩子的画和毕加索的画有异曲同工之妙吗
成年人很难会发自内心地认为孩子的画有多好。那些稚嫩的笔法有时甚至不能让线条流畅，有时画出的图案无法辨识。如果不是对于孩子童真的喜爱，估计很多人会把孩子的画视作丑的。
如果仔细分析孩子的画，你会发现这些画大多是由各种几何图形组成。各种线条、圆形、椭圆形、方形、梯形，充斥着画面，孩子无法把握精准的形状，所以将他眼中的世界简化成了几何图形。最初，孩子只会画线条，一根线条就可能代表了一个事物。后来孩子学会了画圆，事物无论形状，都可以用大大小小的圆来表示。人可以用大小圆组成，火车也可以用一连串的圆连接。等到学会了画方形，人的身体可以被画成方的，裙子也可以被画成方的。
孩子的画是很难有立体感的，但孩子天生有表现他所看到的事物的欲望，他就会把立体的部分画出来。如果他想要告诉别人房子的侧面有什么，他就会将房子的两个侧面都画出来，造成近小远大的奇特效果。
当我们对着孩子的画无法理解的时候，很多人并不知道，毕加索也曾经遭受过同样的责难。
将世界缩减成立方体的立体画派
毕加索是立体画派最著名的人物，他所绘制的《亚威农少女》被称为立体画派的第一幅作品。在绘制这幅作品之前，毕加索已经是赫赫有名的画家了，但当这幅画摆到公众面前时，整个艺术界为之哗然。在人们的眼中，这幅画太过丑陋，与文艺复兴以来对自然、真实的追求大相径庭。画中裸体女人的身体都是由各种变形了的几何图形所组成，就连背景中的墙和布帘都是用几何图形组成。这种变形的组合方式，让西方绘画中柔美的女性形象不复存在，只剩下最最简单的、可以辨识的形体。一位画家在看过毕加索的作品后，惊讶地说：“这不过是一些立方体呀！”当这句话被传开后，毕加索所代表的这一画派就被称为“立体画派”。
立体画派其实脱胎自塞尚的团状造型理论，用色彩的团块代表物体的方式，被立体画派加以扩大。这种孩童似的绘画方式，正是毕加索的惊人之举，他一反传统之道，力求返璞归真，寻找最原始的结构，而几何图形正是最能表现这种原始性的手段。在这一简化过程中，就连女性最富于勾魂的眼睛，也被简化为橄榄形中间有一黑核的固定模式，即使侧脸的眼睛也采用同样的方式。看立体画派的画，就仿佛看到世界被缩减在了立方体中一般。画家正是在这种绘画方式中，努力摆脱形体的束缚，力图表现最为本质的生命力量。
立体画派奇特的空间表现手法
将事物简化成几何图形，是比较容易被理解和接受的，但令大多数人无法理解的是，立体画派有着独特的空间表现手法。其实立体画派的画不喜欢表现强烈的立体感，它们大多更注重平面效果。即使颜色，也大多只是通过些微的深浅变化，来表现一种浅浮雕的效果。立体画派认为，普通的绘画模式无法向人们传达正确的事物概念，看到了事物的一个面，就很难看到事物的另一个面，这是绘画非常大的弊端。
立体画派还认为，我们看人的侧面时只能看到一只眼睛，所以我们就只画一只眼睛，但其实人有两只眼睛，这就是绘画无法表现到的真实。为了获得理性中的真实效果，立体画派会将人的侧面画上两只眼睛。在正面像中，人的鼻子是扁平的，而真实的鼻子是挺立的，所以立体画派中人物的正面像上可能出现侧面的鼻子。还有牛富于性欲特征的牛角，由于无法在侧面中反映出来，画家会特别将它们在牛的头部重新布局，以保持牛角相对的形状。在《三个乐师》中，为了表现一张桌子的三个面，毕加索使得桌子前小后大。而在《亚威农少女》中，为了表现一个背对观看者的少女的脸，他在少女背部上放置了一张正对的脸！
最为真实的空间表现法
当我们无法理解立体画派的画作时，我们只要想想孩子的画，就知道这一切不过是想最简化地表现他眼中的真实世界。这样的空间布局方式，其实在西班牙、波斯、中国的古代绘画作品中，都曾经出现过。
最值得一提的是，公元前1500年的古埃及人当时已经掌握了透视技巧，并将其运用到建筑上，但埃及人最钟情的画法，却是孩子常用的最大限度还原真实的方法。比如，画一个方形的池塘，埃及人不喜欢将其按透视法画成歪曲的菱形，他们会画出一个方形来表示池塘的真实形状。池塘边的树，不会像现代户型图中的植物，被画成一个有连续圆弧的圈，而是如同倒在池塘的周围，因为他们认为这样才能表现最真实的树的形状。
这样的画是缺乏立体感的，却能表现最真实的空间布局。因此不要小看孩子的画哦，他们是在用稚嫩的笔去解构和重建他们心目中的世界。
城市为什么需要雕塑
在20世纪末，中国曾经出现了大规模的雕塑潮，全国大大小小的公园、单位、市政设施里，都会见缝插针地出现各种题材的雕塑。雕塑为何突然获得重视，受到国人的追捧呢？
城市雕塑在西方的历史非常悠久，从古希腊时期开始，人们就在重要的公共场所摆放雕像。当时的雕像大多为人体，如神灵、勇士、健将，这些美而神圣的人体矗立在古希腊人的周围，仿佛能令他们时刻获得关照，使他们获得精神的支柱和熏陶。这样的雕塑方式一直从古罗马持续到中世纪，再到文艺复兴。到了20世纪，西方各国的大小城市，都将城市雕塑作为城市建设和其文化的重要组成部分。
雕塑从文化的角度上是具有精神意义的，但对于城市本身的审美来说，则更偏重于形式的变化美感。我们身处的建筑大多具有相同的结构，四四方方，缺乏变化。但雕塑富于生命力的变化性，会改善城市空间的单调感，让缺乏生命的建筑群出现生机。因此在空地摆放雕塑，是美化城市的重要方式。
雕塑最富空间感
众所周知，平面绘画很难表现事物的整体视觉概念，它只能显示出事物的一个面来。但雕塑却不同，它可以使用具有长、宽、高三个维度的材料来进行创作，所得到的艺术品可以用来表现更接近真实的事物。当我们来到洛杉矶好莱坞的蜡像馆，馆里面的明星们就像真人一般站立在我们面前。我们可以任意观看他们的正面、侧面、背面，这种欣赏方式，是其他艺术形式很难达到的。
绘画中那些很难解决的角度问题，在这里完全不是困扰。人的雕塑可以使我们看到凹凸的身材，也可以使我们看到完整的面容。牛的雕塑可以让我们看到它完整的健硕身形，也可以使我们看到它漂亮而工整的牛角。雕塑能给我们全方位的视觉享受，是最具立体感的艺术。所以有雕塑家认为，雕塑是一种健康的艺术，是一种自由的艺术，不受透视、缩短和其他人为弊病的折磨。
雕塑技法不简单
雕塑其实是一种空间艺术，它在绘画的长宽基础上，多了深度的空间感，这就让雕塑从平面变为立体。虽然雕塑制造的物品更符合真实的事物，但它并不比绘画简单。相反，要掌握雕塑的空间感，比掌握绘画的空间技法更难。
原始时期的雕塑作品，大多很幼稚。那些过于臃肿或者过于简单的形象，其实还不如原始人壁画上的简笔人体来得生动。即使到了现在，能掌握雕塑技法的人，依然远远不如掌握绘画技法的人多。
中国也算是雕塑技术非常发达的国家，但自古却缺乏类似西方的城市雕塑。中国的雕塑作品，一般仅限于对神灵的塑造，对平凡人的塑造物，则用于墓葬的陪葬。在中国的古代城市中是很难看到雕塑作品的，唯一具有象征意义的雕塑，可能就是大院门口的一对石狮。但那是属于私人或官家的震慑之物，并没有城市美化和民众教育的作用。
不过大量的陪葬人俑和大量的佛教造像运动，也使中国人的雕塑技术日益发达。无法获得大型雕塑的中国人喜欢收藏小型雕塑。各种金银玉器制造的雕塑，都能为家居环境起到调节和美化的作用。其使用的技法和人、物的形神，在全世界都堪称一绝。
现代的“空洞”雕塑
自古雕塑都是以模仿真实、自然的物体为第一要务，但现代雕塑在解构主义的影响下，却开始破坏真实的结构模式。英国雕塑家亨利·莫尔是现代最负盛名的雕塑家。他的雕塑作品虽然大部分在表现人体，但我们只能从其形体上辨别出这是个人，或者是女人，或者是男人，完全没有文艺复兴时期米开朗琪罗、罗丹等雕塑大师对肌肉、形体的细腻表现。它更像毕加索的立体主义，只展现最简约的实体。
雕塑和其他艺术形式的不同之处就在于它拥有体积，它以对空间体积的占有来表现它的存在。莫尔的现代雕塑就是在利用体积进行表现，突出表现的是实体，膨胀表现的是积极、占有，凹进、空洞则在表现容纳、被动、接受。莫尔用实体和空洞组合雕塑，被人们戏称为“到处打洞的人”。但这种利用体积扩大和缩减的方式，却成为了现代雕塑的主流。
为何演员都在灯光下
