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第1章 国画六讲(1)

国画生根于璀璨的中国文化之中,它不同于西方文化逻辑的推演,而是源自人们对于自然和生命的感悟。老子有言,“知其白而守其黑”,这正是中国画家追求的境界,他们希望用简洁的笔墨描绘他们丰润的对于天地大美的诗意理解。这种诗意的理解是画家在情、理间的即兴表演:一方面,画家绝不离开天地秩序之“理”和社会伦常之“礼”,观乎世间万物而后有得;另一方面,画家秉承着“赤子”之心,在一段时间里保持着高度的情态自由,挥洒着激情,描绘着“心中之竹”。这种诗意的理解也融入了画家生命的感悟,借画言己,笔墨纸与水的交融,也是画中之像与画家的交融。

第一讲 知其白而守其黑:国画之美生根于中国文化

国画产生于中国文化之中,无论是绘画,还是看画都得对中国文化有一定的了解,我们先说说中国文化。中国文化是一个非常复杂的概念,有很多人研究。有的人是直接从看到的中国社会中一些普遍的现象出发,研究这些现象的历史变迁,从而得出结论,什么是中国文化的内涵、最核心的东西,比如有的人研究中国的“孝”、有的人研究酒文化、还有人研究茶文化。这样的研究五花八门,即便是研究同一种类型的社会现象,大家的角度也可以不一样,可以从哲学角度、社会学角度、人类学角度等等出发。当然,谈中国文化也可以与西方文化进行对比,从两者的不同中看出中国文化的特质,我倾向于后者。

中西文化我们可以大体追溯到文化轴心时代,这段时期,古希腊、古印度、古中国的文化都非常的繁荣,有很多伟大的思想家。古希腊有苏格拉底、柏拉图、亚里士多德,他们开启了西方文化传统;古印度有释迦牟尼,古中国有老子、孔子等“诸子百家”,他们的思想各不相同,但大体同质,形成了璀璨的东方文化传统。

轴心时代 德国思想家雅斯贝尔斯在他1949年出版的《历史的起源与目标》中说,公元前800至公元前200年之间,尤其是公元前600至前300年间,是人类文明的“轴心时代”。在这段时期里,人类的各大文明都出现了重大的突破,出现了一大批伟大的精神导师,形成了文化繁荣景象。

源自古希腊的西方文化,与源自印度、中国的东方文化,从起步开始就显现出不一样的风格。西方人重逻辑、重演绎、重天人二分。古希腊的先哲一开始就将目光投向了大自然,他们研究宇宙的始基,就是研究大自然最原始的是什么。有的人认为是气,有的人认为是火,有的人认为是原子(也许,后来自然科学关于原子的理论都受这个启发)……他们的思考是西方理性思维方式的萌芽。后经过苏格拉底、柏拉图、亚里士多德师生三代,形成了西方理性主义的传统。到亚里士多德已经有了较为系统的学科分类,他对天文学、物理学等学科都有研究,比如他提出的“地心说”直到16世纪才被哥白尼的“日心说”所质疑。更重要的是,他创造了一套形式逻辑系统,提出了著名的从大前提、小前提到结论的三段论推理。有个很有名的例子,大前提是:人都会死;小前提:苏格拉底是人;结论:所以,苏格拉底会死。这个看似简单,但当时是公元前四世纪,而且它对西方文化发展的作用也是不可低估的,西方后来数学、科学等发展迅速与这个有很大的关系。而且,西方人很重视“分”,他们把研究主体和研究客体划分开来,人是人、物是物,天人二分。他们把研究对象放在一个被审判的位置,仔细研究推敲,一步步往前推进,这是演绎的。正是这种理性、逻辑和分析的力量,使得西方有了非常系统而发达的科学。

亚里士多德 (前384~前322),古希腊斯吉塔拉人,历史上最伟大的哲学家、科学家和教育家之一。公元前335年,他在雅典办了一所叫吕克昂的学校,被称为逍遥学派。 亚里士多德一生勤奋治学,从事的学术研究涉及到逻辑学、修辞学、物理学、生物学、教育学、心理学、政治学、经济学、美学等多个领域,写下了大量的著作,他的著作是古代的百科全书,据说有四百到一千部,主要有《工具论》、《形而上学》、《物理学》、《伦理学》、《政治学》、《诗学》等。他的思想对人类产生了深远的影响。他创立了形式逻辑学,丰富和发展了哲学的各个分支学科,对科学等作出了巨大的贡献。

东方文化,无论是印度文化还是中国文化,都与这有很大的不同。东方人注重经验、感悟和归纳,最后达到了一个天人合一的境界。以中国为例,先秦百家争鸣时出现的一大批贤人名士,无一例外地将关注重心放在了人生、社会、政治之上,用杨振宁先生的话说,“中国古代的哲学家想把世界上所有的问题一下子都解决了。……他们第一想解决人文问题,第二想从总体上解决人文问题。” 因此,他们不愿去做具体的事情,不愿就某个具体的问题、尤其是关于自然的问题提出一套理论。你们看,中国古代有先进的技艺,有很多天才的发明,四大发明就不用说了,单论建筑,就有很多卓越的创造。《阿房宫赋》里记载,阿房宫这么庞大、复杂的建筑,一个钉子也没用,全是依靠钩心、对角建起来的。还有很多奇特的建筑:长城、天坛的回音壁……但是,却因为没有形成理论而人亡道衰了。更重要的是,中国文化很注重天人合一。这种思想在先秦就有所萌芽;到汉代,董仲舒的《春秋繁露》里有明确的阐释;后经发展,到了宋代二程,程灏、程颐兄弟更进了一步,“天人本无二,何必言合”,天人根本就是一回事,用“合”反而拉远了两者的关系。这些特质造就了中国文化的开放性、包容性和启智性。

二程 北宋思想家、教育家程颢(1032~1085)、程颐(1033~1107)的并称,二人都曾就学于周敦颐,并同为宋明理学的奠基者,世称二程。二人为嫡亲兄弟,河南洛阳人,均出生于黄州黄陂县(今属武汉市)。程颢字伯淳,又称明道先生,生于宋仁宗明道元年,卒于宋神宗元丰八年,官至监察御史里行。程颐字正叔,又称伊川先生,生于宋仁宗明道二年,卒于宋徽宗大观元年,曾任国子监教授和崇政殿说书等职。他们的心理学思想主要见于《遗书》、《文集》和《经说》等。

对中国绘画而言,中国文化的启智性就太重要了。中国绘画不需要西方文化的那种严格的逻辑分析,它需要的是你能感悟。一方面,你得遵循自然之道,体会天地大美。《庄子》这本书给我们提供很多这方面的认识。比如,《知北游》中讲“天地有大美而不言,四时有明法而不议,万物有成理而不说”,天地的大美、四季的序列、万物的枯荣都是有其自然的道理,这种此消彼长、生生不息的和谐就是天地大美之所在。天地山川、草木虫鱼都有其自身之美、有它自身运行的目的,康德把这叫做“合目的性”。中国绘画就是要你去体会这种美、这种内在目的性,然后将其运用笔墨表现出来,而不需要你问“这树长在这对不对”、“这老鼠怎么比南瓜还大啊”。

庄子 (约前369~前286),名周,先秦(战国)时期伟大的思想家、哲学家、和文学家,是道家学说的主要创始人,与道家始祖老子并称为“老庄”,他们的哲学思想体系,被思想学术界尊为“老庄哲学”,然文采更胜老子。代表作《庄子》并被尊崇者演绎出多种版本,名篇有《逍遥游》、《齐物论》等,庄子主张“天人合一”和“清静无为”。

另一方面,天地大美只有通过你的感悟才能转化为人类的美感。明代心学家王阳明在《传习录》中提到:“你未看此花时,此花与汝心同归于寂。你来看此花时,则此花颜色一时明白起来。”意思就是说,一朵花在深山开放,我不知道它存在,可是当我看到这朵花的时候,这朵花的颜色、形态就渐渐明白起来,它果然是个美艳的存在。西方的现象学解决的就是这样的问题,就是主观对于客观的介入。自然物在那,比如深山中独自开放的小花、海洋深处自我嬉戏的鱼群,对于你来说都谈不上美或不美,因为它们的存在于你毫无意义,只有通过感悟、通过你对它们的介入,它们的美才能对你呈现。

中国文人讲“气韵生动”,其中,“韵”就是这层意思。这个韵并不是单纯的作诗时押韵的韵,你看英国诗、意大利诗也有韵,比如,著名的十四行诗就非常注重韵脚。中国的这个“韵”意义则更为丰富饱满,注重的是创作主体,无论是艺术家还是诗人,对于宇宙惯有的一个诗性的判断。天地大美自然而生,可是也需要画家对其有诗性的判断、有所感悟才于人有意义。

十四行诗 又译“商籁体”,为意大利文sonetto,英文Sonnet、法文sonnet的音译。欧洲一种格律严谨的抒情诗体。最初流行于意大利,彼特拉克的创作使其臻于完美,又称“彼特拉克体”,后传到欧洲各国。由两节四行诗和两节三行诗组成,每行11个音节,韵式为ABBA,ABBA,CDE,CDE或ABBA,ABBA,CDC,CDC。另一种类型称为“莎士比亚体”(Shakespearean)或“伊丽莎白体”,由三节四行诗和两行对句组成,每行10个音节,韵式为ABAB,CDCD,EFEF,GG。

所以,当中国人的智慧和感悟在哲学上的体现用到绘画上来的时候,绘画就得益无穷了。老子哲学里有“知其白,守其黑”,说的是深知本性洁白,却守持混沌昏黑的态势,这就是中国人的思维,也正是国画美之所在。笔墨笔墨,加上宣纸就是黑和白呀,只有维持黑白间比例的平衡和谐才能守住国画的这种美。中国禅宗讲,“妙悟者不在多言”。真正得到“悟”的人不是很啰嗦,不会讲太多,他的语言一定非常简练,甚至认为语言是不必要的。王维在《山水诀》将这视作对山水画的要求,其实,这是对整个中国绘画的要求--以少许胜多许,以最简练的语言表现最丰富的内容。

比如我的画,我的画留的空白很多,因为我知道白和黑同样重要。中国绘画就是“有无相生”之道的形象体现,笔墨的有和画面空白的无相互生发才造就了国画之美。这就好比一个伟大的建筑师,难道他仅仅是在设计一个建筑吗?不,他是在塑造建筑后的一片天。建筑师的伟大不仅是他设计的建筑要漂亮,建筑后面的那片天空也要非常漂亮。中国画家要时刻记住这一点,不要在用墨的时候忘记了白纸。一位中国画大师,他深刻地明白,在他下笔那刻,他不仅应在笔墨间留意,更重要的是他在塑造笔墨之后的那片空间。

元代山水画家倪云林的画就非常注重黑白间的比例,比如他的《客膝斋图》,几棵小树,一个茅亭,朦胧的远山,没有人物,没有动态。然而,你一看就能感受到一种淡淡的哀愁,一种天荒地老式的沉默和寂寞。

八大山人的画,他画的鸟,它蜷曲着身子,寥寥几笔,把鸟的全部内在生命表达得淋漓尽致,八大山人的画。简约至于极致,我在一篇论八大的文章中说过,“八大山人的画渐渐趋近他语言符号的本体,或者换言之,八大山人的画就是一种符号性的空前伟岸的语言”,他的画已经撇除了一切的繁文缛节、一切的矫揉造作和一切的事功媚俗,剩下的只有“士气”的符号,简捷清纯、精微广大、高明中庸。

八大山人 (1626~1705)别号朱耷,明末清初画家、书法家,清初画坛“四僧”之一。原为明朝王孙,明灭亡后,国毁家亡,心情悲愤,落发为僧,他一生对明忠心耿耿,以明朝遗民自居,不肯与清合作。他的作品往往以象征手法抒写心意,如画鱼、鸭、鸟等,皆以白眼向天,充满倔强之气。笔墨特点以放任恣纵见长,苍劲圆秀,清逸横生,不论大幅或小品,都有浑朴酣畅又明朗秀健的风神。章法结构不落俗套,在不完整中求完整。八大山人的绘画对后世影响极大。

中国画的这种简洁丰润源远流长,早在远古时期的陶瓷上的绘画就有体现。图【】中的陶罐属于河姆渡文化时期,距今已有七千年了,但是刻画在陶罐上的猪已经极富神韵。你看它:猪嘴往前拱,前面的腿还在往前抬,后面的腿准备往前伸,身上还创造性地给它来个两方连续的图案。大量的留白、相当简单的细条,却将猪那种神情、动态刻画得栩栩如生,能引发你无尽的联想。

图【】中的这个人面彩陶瓶,它属于五千年前的仰韶文化时期。这个作品反映的是远古先民的一种思考状态,你可以看出他在思考,你看他的眼睛里若有疑惑,可是这个疑惑又混混沌沌,又感到没有答案而有所茫然。这个茫然体现出一个童稚的天真,这个人决不狡猾。还有,嘴那个窝在那儿,像一个很憨厚的人,混沌、茫然、天真、憨厚、简朴。从这个简单的作品中,我们看到了天籁、神韵、简朴。这就是我们文化的源头,这种对于艺术的感悟、对于“微言大义”的追求流传了几千年,深深地扎根于中国的国画之中。

中国画之所以保持这永恒的魅力,就是因为它体现了中国之魂,它是由几千年的中国哲学、思想、文化所孕育、滋养的。因此,对于中国画这种感悟、“知白守黑”的把握,就要立足于中国文化之中。没有传统、没有根基的东西,是不会有生命力的;没有了中国哲学这片沃土,中国画这片森林就不可能繁茂葱郁。外国人为什么画不好中国画?就是因为西方人或者日本人,他们对中国文化的了解总是隔着一层。日本在明治维新之前是全面地学习中国的,他们当时对中国的文化是相当羡慕和崇拜的,派了很多的遣隋使、遣唐使到中国来,到明代还派人来中国。明代的时候,就有日本的雪舟到中国留学,学习南宋的画,学马远、夏圭,回去以后成了日本的画圣。可是,我到日本访问的时候,面对画圣的画,总觉得隔了一层,和中国人画的不太一样。而西方人则是从日本绘画开始学起,比如莫奈,他是个非常伟大的画家,他画的《睡莲》我很欣赏,也倾慕,但是他惊讶于笔墨所创造的美,而去学习日本画,就是个很大的问题。

我们中国人欣赏中国的美,由于血脉中有这种文化的DNA基因,所以比较容易接受。但是,仅仅依靠这个是不够的。要欣赏中国画、画好中国画,我们要了解人与自然的关系,要切身地感悟自然生生不息的力量,更要了解古典、了解中国文化。

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